ASPECTOS GENERALES SOBRE LA INTERPRETACIÓN
DE LA MÚSICA PARA PIANO A TRAVÉS DE LA HISTORIA

Por Sara Feterman Rotkopf. Profesora de piano en la Universidad de Costa Rica.

Fortepiano

Para la persona que intenta interpretar una obra musical en el piano, es recomendable tomar en cuenta una serie de aspectos básicos como son la métrica, el aire o tempo, la tonalidad, la articulación, la dinámica y la digitación entre otros.  También es de suma importancia  analizar la forma musical y definir cuál es el fraseo adecuado de la misma. Otro elemento importantísimo y que muchos de los estudiantes y público en general ignoran a menudo es la historia de dicha pieza musical: quién la compuso y cómo era este compositor, en qué época vivió, qué sucedía entonces cuando la escribió, cómo se solía interpretar la música en ese período y cuáles eran los principios estéticos que regían las artes en general y la música en particular y cuál era la influencia político-económica de ese momento.   Además hay que considerar cómo era el instrumento que se utilizó en esa época y para el cual se escribió la obra, cómo interpretar  los símbolos, e indicaciones, los ornamentos, etc.

¿Por qué son tan importantes estas consideraciones? Porque dependiendo de todo esto vamos a decidir qué tipo de articulación usaremos, cómo van a ejecutar  los ornamentos, cómo debemos utilizar el pedal, cómo interpretar la dinámica, los tempi, la calidad del sonido si el mismo debe de ser muy pesada o más liviana, y muchos otros aspectos que hacen que Bach suene diferente a Mozart, a Chopin, a Debussy o a Bartók.

Un ejecutante que pretenda dedicarse seriamente a la música, sea cual fuera su especialidad debe conocer bien estas diferencias. De lo contrario, podría caer en el error de que todas las obras que toque suenen de manera similar  en cuanto a estilo se refiere y, por lo tanto, confundir el estilo de una obra de  Beethoven con una de Chopin, por poner un ejemplo.

En el caso del público, o sea, las  personas que disfrutan escuchando esta música denominada “clásica” o “culta” y que no son expertos en la materia, pero que asisten a los conciertos o recitales también sería  recomendable que tuvieran  una idea de estos aspectos mencionados. Al tener un poco más de información, el oyente puede entonces reconocer si la interpretación a la que está expuesto es más o menos correcta y si está en efecto dentro del estilo a la que pertenece, o si por el contrario,  está siendo interpretada de manera errónea por el ejecutante o los ejecutantes.

Tenemos un conocimiento bastante cercano de cómo debía sonar la música de épocas pasadas gracias a diferentes testimonios, documentos, tratados, epístolas, análisis  de parte de los mismos compositores o personas cercanas a ellos  (intérpretes, colegas y musicólogos) que han estudiado e investigado sobre el tema.

Resulta virtualmente imposible tener una idea exacta de cómo sonaba la música en la época de Bach o de Mozart,  y esto ha sido y será motivo de controversias entre los expertos. Desafortunadamente no existen registros sonoros de la época y por tanto, es muy difícil recrear el sonido o la interpretación al pie de la letra, aunque aún existen instrumentos originales o bien réplicas bastante buenas hechas por los modernos luthiers. Hoy  sabemos, cómo hay que ejecutar los adornos de la época de Bach, gracias a que él mismo dejó testimonio de ello al escribir una tabla para su hijo Wilhem Friedmann, explicando cómo debían de resolverse, en un libro que escribió especialmente para él para que  aprendiera a tocar el clavicordio.

La segunda esposa de Bach relata lo siguiente:

“Él (Johann Sebastian Bach) fue quien primero empleó lo que llamaba el método natural de cruzar el dedo pulgar por debajo de los demás dedos.   Hasta entonces, los pocos que empleaban el dedo pulgar lo cruzaban por encima de los otros, lo que daba una impresión de torpeza.   También fue Sebastian el primero que empleó todos los dedos para ejecutar trinos y adornos” (La pequeña crónica de Ana Magdalena Bach, página 63)    Por este medio aprendemos que Bach revolucionó la técnica del teclado en su época, logrando que se tocara de una manera más pareja y fluida un instrumento de teclado,  lo que constituye la base fundamental de la técnica pianística moderna.

Uno de los hijos de Bach, Carl Philipp Emmanuel, escribió un libro sobre cómo tocar  el piano, donde explica cómo resolver aspectos técnicos y musicales del instrumento del repertorio que existía hasta entonces.

De igual manera Mozart, a través de la correspondencia que mantuvo con su padre nos enseña  cómo es que él quería que sonara su música y de cómo la interpretaba.    A menudo utilizaba la expresión “debe fluir como el aceite,” cuando se refería a cómo debía sonar su música y al legato que él utilizaba, lo que quiere decir en otras palabras, que la ejecución debe ser muy fluida, sin asperezas y muy pareja.

Este mismo medio nos da a conocer a un  Mozart al que le gustaba tocar  sentado en el centro de la silla y sin hacer muecas con la cara, como algunas personas acostumbran,  que no variaba la velocidad entre secciones, al que no le gustaba levantar los brazos, para quien la muñeca debía estar relajada y liviana y con los dedos muy cerca del teclado.  Nos enseña el maestro a no usar contrastes demasiados extremos en la música, más bien ponderados y a tocar lo más preciso posible sin dejar notas por fuera, y con un ritmo exacto lo que caracteriza el ideal clásico de sencillez, evitando mostrar una emoción desbordada a la hora de interpretar una pieza musical. 

CARACTERÍSTICAS DE LOS DIFERENTES ESTILOS

Siendo el piano el instrumento de teclado más usado en los últimos trescientos años, nos brinda la oportunidad de conocer e interpretar diferentes estilos, por lo que a modo general realizaremos un análisis de los mismos. Si bien es cierto que  hay música para teclado compuesta antes de la aparición de Johann Sebastian Bach, son pocas las veces que los pianistas de hoy día la interpretan.   La razón es que, estas piecitas para teclado fueron hechas para instrumentos muy diferentes al piano, entre ellos el virginal y el clavicordio.   Estos eran instrumentos muy pequeños, con poca extensión y sonido y, por tanto, estas pequeñas obras no se adaptan muy bien a nuestro piano moderno.    Comenzaremos nuestro estudio con el estilo llamado Barroco, cuya música para teclado, en especial la del gran Johann Sebastian Bach, se toca en recitales y conciertos en los teatros, conservatorios y universidades de todo el mundo.

EL ESTILO BARROCO

En  el lenguaje musical el término “barroco” se le aplica a la música que se produjo aproximadamente entre los años 1600 a 1750.   Esta palabra cuyo significado es “perla de forma irregular” se deriva probablemente del portugués.   En un principio se utilizó para describir algo que era “artificial, grandilocuente y grotesco,” pero luego, perdió esta connotación negativa y, desde hace mucho, se utiliza para denominar el arte y la música de una época determinada. Fue un período en que se trató de dar a la música un contenido emocional, en otras palabras, se podría considerar más bien “romántico” por el cromatismo y la armonía utilizadas, así como la libertad aplicada a los aspectos formales de la misma.

Además debe tomarse en cuenta que, durante este período no sólo se escribió música para teclado sino también música vocal y orquestal y los instrumentos de teclado que más se utilizaron en dicha época eran el  clavecín y el órgano.

Vamos a hacer un análisis general de cada estilo de acuerdo a los siguientes parámetros:

1. Textura:

Se utiliza mucho el “contrapunto imitativo” que llega a su máxima expresión con Juan Sebastián Bach. La polifonía -varias voces al mismo tiempo- es muy utilizada no solo en la música vocal sino también en la instrumental.

2. Forma:

Las formas musicales más utilizadas fueron la fuga, el tema con variaciones, la suite de danzas,  la toccata y la sonata entre otras.

3. Melodía:

 Se caracteriza por ser estas de gran longitud, muy cromáticas, de frases de irregular número de compases y muy ornamentadas.  Se utilizan mucho los trinos y los mordentes dentro de los cuales hay muchas variedades. Por regla general los trinos deben comenzarse con la nota superior.

4.  Armonía:

Se caracteriza por el desarrollo de las tonalidades mayor y menor, en otras palabras, se impone el sistema “Tonal” sobre el “Modal”.   Se empieza a desarrollar lo que hoy conocemos como “armonía de acordes”

Se utiliza mucho la improvisación. Esta práctica era muy importante y se usó como un recurso a la hora de componer y se refleja en muchas de las obras para teclado, por ejemplo en las “cadenzas”

5. Dinámica:

Los compositores comienzan a indicar el Tempo y la Dinámica.   La música barroca tiende a mantener niveles bastante uniformes de dinámica con pasajes uniformemente fuertes (forte) seguidos de pasajes uniformemente suaves (piano)

Para interpretar este tipo de música en el teclado, hay que poseer una gran independencia entre los dedos, con el fin de poder ser capaces de destacar las diferentes voces, tener un gran sentido rítmico, mantener un pulso estable y tener dedos ligeros y rápidos con una articulación pareja.  En cuanto al pedal, hay una gran variedad de opiniones.  El clavicembalo no poseía pedal de sostenimiento y el fortepiano apenas comenzaba a aparecer y estaba en sus primeras etapas, por lo que es obvio que los tecladistas de la época no tenían esa posibilidad.  Sin embargo, el piano actual si tiene pedal de sostenimiento y se puede utilizar en este tipo de música sobre todo en movimientos lentos más líricos, siempre y cuando se haga moderadamente y con mucho cuidado para no enturbiar la claridad de la ejecución.

 Compositores de la época:

Hubo muchos compositores importantes en este período, pero solo vamos a mencionar algunos de los más relevantes en la producción de música para teclado.  En Alemania, George Friedrich Händel (1685-1764) y por supuesto Johann Sebastian Bach (1685-1750)

En Francia, Jean Philippe Rameau (1683-1764) y Francois Couperin (1668-1733)

En España, Domenico Scarlatti (1685-1757)  (de origen italiano) y el padre Antonio Soler (1729-1783) entre los más destacados. 

EL ESTILO  CLÁSICO O CLASICISMO 

Tradicionalmente la mayoría de los historiadores colocan el período Clásico entre los años 1750 (cuando muere Johann Sebastian Bach) y 1820 ó 25.   Siempre  que se trata de determinar un lapso en el que terminó un período y comenzó otro, las fechas son aproximadas.   Aún antes de la muerte de Bach, ya se estaba gestando otro estilo, al que se le llamó el preclásico donde jugaron un papel importante algunos de los hijos de Bach entre ellos Johann Christian, y Carl Philipp Emmanuel.

Para esta época surgió en Europa un gran movimiento intelectual y político conocido   como “La Ilustración”, o “La Era de la Razón”  Es en esta época donde se empieza a fraguar la caída de las monarquías absolutas,  que culmina con la Revolución Francesa en 1789, e inicio de los gobiernos democráticos cuyo lema inspirador fue: “libertad, igualdad y fraternidad”.  Esta es  la época en la que el hombre le da más importancia a las ciencias, al conocimiento y a la razón sobre la ignorancia y las  supersticiones. Un acontecimiento muy importante de este período lo constituye la construcción, aproximadamente en 1708, del  primer instrumento de teclado accionado por martillos o sea, el primer pianoforte, llamado así porque se podía tocar piano (suave) y forte (fuerte).  El inventor del piano fue el florentino  Bartolomeo Cristófori  y a partir de entonces se empieza a desarrollar lo que hoy en día conocemos como el piano moderno.    

En cuanto a la posición del músico de la época, tanto para éstos como para los artistas en general, se les consideraban como sirvientes de los reyes y los nobles.   Uno de estos casos es el de Franz Joseph Haydn, quien trabajó durante toda su vida al servicio del príncipe Nicolás Esterházy.   Uno de los primeros músicos emancipados de la historia es  Wolfgang Amadeus Mozart que intenta, aunque no con mucho éxito, hacer una carrera como compositor sin depender de ningún patrono, al renunciar a su puesto de kapellmaister (maestro de capilla) en la Catedral de Salzburgo e irse por su cuenta a Viena a probar suerte.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL CLASICISMO

1.  Textura:  

El período clásico representa el triunfo de la textura homofónica sobre la textura contrapuntística que había predominado desde la Edad Media.    Se le llama homofonía a una melodía con acompañamiento en contraposición al contrapunto, que trabajaba con varias voces al mismo tiempo.   La homofonía es una textura más sencilla.   Sin embargo, el contrapunto no desaparece totalmente ya que los compositores lo siguen utilizando como un recurso en sus composiciones.  En este período es que se hace popular el acompañamiento de las melodías utilizando el llamado “bajo de Alberti”, muy presente en las obras para teclado.

2.  Forma:

 Las formas clásicas son bien delineadas y equilibradas.   Surgen dos grandes formas musicales que serán importantísimas: la forma “sonata”  La sonata clásica, con sus tres movimientos básicos (rápido, lento, rápido) al igual que la sinfonía clásica.   Las frases musicales son, por lo general, de corta extensión (usualmente de cuatro compases) con cadencias bien definidas.   Toda obra clásica está simétricamente estructurada.  

Las formas más utilizadas son: la forma sonata, el tema con variaciones, el rondó, minuetto trío minuetto para citar las más populares.

3.  Melodía:

Las melodías son, en su mayor parte, diatónicas, es decir, con poco cromatismo, característica que contrasta con las obras del  Barroco. Las líneas melódicas del clasicismo son muy claras y fáciles de recordar, simétricas con cadencias bien definidas.

4.  Armonía:

Es mucho menos compleja que la del período Barroco, y refleja un mayor énfasis en las tríadas principales de la tonalidad: la tónica, sub dominante y dominante.   Por otro lado, los compositores clásicos utilizan las modulaciones en formas más dramáticas e intencionales que sus antecesores.

5.  Ritmo:

El ritmo clásico se caracteriza por su claridad y por un fuerte pulso métrico. El pulso debe ser muy estable, sin embargo, se puede utilizar el “rubato”ya que sabemos que, por ejemplo, Mozart lo menciona en sus cartas cuando habla de cómo interpretar su música.

6.  Dinámica:

El deseo de expresar diferentes tipos de emociones hizo que los compositores e intérpretes de la época utilizaran diferentes escalas de dinámica.   Es en este período, en que se comienzan a usar los  crescendos y diminuendos, cambios súbitos, acentos expresivos, y otros. También son muy importantes los grandes contrastes de dinámica, tempo (entre movimientos) y carácter.

      En esta época, la música es considerada como un arte sin ataduras o influencias directas de otras artes como ocurre luego con el Romanticismo.   En otras palabras, es considerada “música pura,” sin seguir ningún tipo de guión o cualquier influencia emotiva, sin grandes despliegues de sentimentalismo.

 Parte de la dificultad al interpretar una obra clásica es que, al estar formada por melodías tan claras, muchas veces en forma de escalas y arpegios, éstas deben de sonar muy precisas y nítidas y las manos deben de estar muy bien coordinadas entre sí.

En cuanto la ejecución de los ornamentos, los trinos por lo general deben seguir haciéndose con la nota superior.  La cantidad de adornos disminuye con respecto al Barroco y se comienza a utilizar el pedal ya que el fortepiano se va a desarrollar cada día  en un instrumento más completo y se le agrega el pedal de sostenimiento para lograr una mayor duración del sonido con lo cual se obtiene una sonoridad más llena (cosa que no era posible en el clavicembalo)  por lo que los compositores comienzan a utilizarlo.

Los compositores más destacados son: Franz Joseph Haydn (1732-1809) de Austria, W. A. Mozart (1756-1791) también austriaco, y Ludwig van Beethoven (1770-1827) de Alemania.   También podemos citar al italiano Muzio Clementi (1752-1832) quien fue uno de los más destacados pianistas y compositores de este período.  Hay otros compositores menores como son: Kulhau, Dussek, Diabelli, y otros que compusieron una gran cantidad de obras como sonatinas, rondós y variaciones muchas veces con fines didácticos. 

PERÍODO ROMÁNTICO

          El período Romántico en la música fue parte de un movimiento cultural más amplio que barrió Europa desde el final del siglo XVIII hacia mediados del XIX (1820-1900). Esta era fue caracterizada por cualidades como el individualismo, la subjetividad emocional, el nacionalismo, la falta de ataduras, el anhelo por lo inalcanzable, la afinidad con la naturaleza, el amor hacia tiempos y lugares remotos, lo extraño, lo misterioso y lo sobrenatural.  El Romanticismo es a menudo considerado lo opuesto del Clasicismo, que enfatiza la represión emotiva, claridad de expresión y tradición. En cierto sentido, el Clasicismo y el Romanticismo representan polos opuestos de la naturaleza humana, lo racional y lo emocional que están presentes siempre en mayor o menor grado en todos los períodos de la historia del arte. La palabra romántico deriva de romance, una forma de literatura medieval escrita en lengua romance y que típicamente trataba temas o eventos de la historia o leyendas clásicas como por ejemplo, las aventuras del Rey Arturo y los caballeros de la mesa redonda o las aventuras de Carlomagno y sus caballeros lo cual mostraba una fascinación por el misterio, lo sobrenatural, y los actos milagrosos de caballería y lealtad. A finales del siglo XVIII, la clase media encontró en estos cuentos medievales, las cualidades románticas que hablaron muy poderosamente al propio espíritu “romántico” en desarrollo.

         El espíritu romántico emergió primero en la literatura, inspirado por la literatura de orientación medieval de los escritores ingleses. El Romanticismo propiamente dicho empieza en Alemania, con el movimiento Sturm und Drang  (Tormenta e impulso o también tormenta y arrebato 1760 - 1785) y los escritos de Schlegel, Tieck, Novalis, Holderlin y Wackenroder. Otros románticos fueron Coleridge y Wordsworth en Inglaterra y Bernardin de Saint-Pierre en Francia. Durante la primera mitad del siglo XIX, el romanticismo era el movimiento literario líder, con el que se da inicio a una era de grandes logros en poesía y novela.   

         En música, las tendencias románticas estuvieron presentes a través del período Clásico, por ejemplo, en el estilo expresivo del Pre - Clásico y en algunas de las obras más apasionadas de Mozart, como la sinfonía número 40, y en el estilo heroico de Beethoven. Su surgimiento en el año 1820 como estilo principal, se puede tomar como un crecimiento natural de las tendencias que ya existían. El Romanticismo se mantuvo como la fuerza principal en música hasta finales del siglo XIX. 

CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO

1.  Melodía:

A menudo la melodía sirve para expresar deseos insatisfechos. Como resultado, el estilo melódico es más emocional y más efusivo que en el pasado; las frases son más largas, más irregulares y construidas más lentamente para alcanzar un clímax más sostenido. El rango de las melodías es más amplia (particularmente en la música orquestal y de piano), especialmente después de 1850 pueden ser muy cromáticas. 

2.  Armonía y tonalidad:

Algunos de los cambios mayores se dan en esta área. Aunque el sistema tonal es todavía la base de la armonía, los compositores comienzan a concebir la tonalidad como un medio de conseguir conmovedores efectos emocionales altamente personales. Las modulaciones se hicieron más frecuentes y a tonalidades  más lejanas.

3.  Ritmo: 

El ritmo fue muy explotado con propósitos expresivos, empleando una gran variedad de patrones rítmicos, frecuentes cambios de métrica y tempo dentro de un movimiento. El tempo se hace más flexible, dando paso a la técnica del tempo rubato, que consiste en accelerandos y ritardandos, dependiendo de la expresión que la música demandara. 

4.  Dinámica: 

El rango dinámico se hace mucho mayor que en el Clasicismo, desde un pppp (pianissimo) hasta un ffff (fortissimo), y también se hace más precisa. En general, hay más contrastes dinámicos. 

5.  Textura: 

La homofonía predomina, pero el contrapunto jugó un papel subsidiario importante. La textura también se caracteriza por un incremento en la riqueza del sonido. Se prefiere un sonido más lleno, orquestaciones más densas y armonías más complejas que las sonoridades más transparentes del Clasicismo.

6.  Forma:  

Las formas seguían siendo las que prevalecieron durante el Clasicismo, pero utilizadas de una manera más libre, con demarcaciones menos claras entre las secciones y movimientos, y en todo caso, alterando la estructura para alcanzar un enfoque más subjetivo de contenido interno. Siguiendo la práctica de Beethoven, los compositores también exploraron interrelaciones temáticas dentro y entre movimientos a un grado mayor que antes, utilizando la escritura cíclica y otras maneras más sutiles de alcanzar unidad.

7.  Color: 

Los compositores románticos fueron los primeros en considerar el color o timbre como un elemento que tenía igual importancia que la melodía o la armonía. Lo usaron para obtener una gran variedad de estados de ánimo y efectos.

Los compositores que escribieron principalmente para el piano, tienen un concepto más “orquestal” del instrumento, tratando de obtener sonoridades grandes y llenas, por medio de grandes acordes y mayores distancias entre los registros.   También, se utiliza más el pedal que en el período clásico, en parte, porque el instrumento había sufrido grandes transformaciones desde la época de Mozart, cuando todavía no se había perfeccionado.

Aparecen nuevos géneros musicales dentro del repertorio para el piano, ya que éste adquiere una gran importancia como instrumento solista, atrayendo un  público numeroso a las salas de conciertos.   Dentro de estos nuevos géneros sobresale la “pieza de carácter,” en las que los principales aspectos de este período tales como el nacionalismo, la afinidad con la literatura, la fantasía y el exotismo encuentran terreno fértil.

Este término se aplica a un tipo de composición corta del siglo XIX para piano, cuyo fin es expresar un estado de ánimo particular, estilo o alguna idea extramusical. 

Los principales títulos usados para estas piezas de carácter son: Hoja de álbum, Fantasía, Bagatelle, Impromptu, Intermezzo, Momento Musical, Novelette, Preludio, Rapsodia, Romanza, Scherzo, Canción sin palabras y otros.   El concierto para piano y orquesta alcanza una gran importancia y se convierte en obras de gran resistencia y virtuosismo aunque ya en el Clasicismo se había comenzado a desarrollar con los conciertos de Mozart y Beethoven. 

Los principales compositores para el piano de este período son:

Félix Mendelsohnn-Bartoldy (1809-1847) Alemania, Federico Chopin (1810-1849) Polonia-Francia, Franz Liszt (1811-1886) Hungría, Robert Schumann (1810-1856) Alemania,  Johannes Brahms (1833-1897) Alemania, Edvard Grieg (1843-1907) Noruega, entre otros.

ROMANTICISMO TARDÍO

Cabe mencionar esta tendencia donde se llevan las características del romanticismo a niveles más exagerados aún.  Esto, se da a finales del siglo XIX y bien entrado el siglo XX.

Algunos compositores para piano fueron: Alexander Scriabin (1872-1915) Rusia, Sergei Rachmaninoff (1873-1953) Rusia, Gabriel Fauré (1845-1924) Francia, entre otros.

IMPRESIONISMO

Claude Debussy

El popular término Impresionismo empezó a desarrollarse en Francia en la segunda mitad del siglo XIX como  reacción al romanticismo alemán.   Los franceses empezaron a crear un lenguaje diferente, más liviano en su estilo, y poniendo más énfasis en el color que en el cromatismo o en la complejidad estructural.   Este término se utilizó en la música en analogía con los pintores impresionistas franceses cuyas pinturas eran, al igual que la música, muy colorida, atmosférica y muy diferente a la música sajona.

En gran parte el estilo impresionista se puede entender mejor comparándolo con el Post-Romanticismo Austro-Alemán.

Mientras que los post-románticos se basaban principalmente en el cromatismo, los compositores impresionistas se volvieron a las viejas escalas modales; mientras los románticos estaban interesados en tensión y relajación en extremo, los impresionistas se preocupaban más por estados emocionales más planos, decorativos y atmosféricos. 

CARACTARÍSTICAS ESPECÍFICAS

1.  Melodía:

El material melódico impresionista a menudo utiliza las escalas modales, y otras escalas exóticas que no son comunes en la música occidental, como son las escalas pentatónicas y las de tonos enteros. También utilizan intervalos aumentados, los cuales se consideraban prohibidos y de mal gusto dentro de las normas de la armonía tradicional.  Éstas también son de contornos más difusos y menos claras.

2. Armonía:

Sigue siendo una armonía basada en tríadas pero menos tradicionales, utilizando a menudo acordes de sétimas y novenas, pero también sucesiones de intervalos paralelos  como cuartas, quintas y octavas que antes no eran permitidas  Todo esto para lograr una atmósfera diferente

3. Ritmo:

El ritmo es menos atado al pulso y métrica.  Se utilizan a menudo cambios de métrica dentro de una misma obra.  También tratan de utilizar ritmos “exóticos,” como los del jazz norteamericano y, en general, la música de ascendencia afro-americana.

4. Forma:

Básicamente se utilizan las mismas que en el romanticismo. 

5. Textura:

Se sigue utilizando la homofónica, pero no tan claramente como en el clasicismo o el romanticismo.

En el piano el uso del pedal derecho o de sostenimiento es mucho más amplio a menudo para lograr sonoridades más difusas.   También el pedal “una corda” es más usado para lograr cambios de color en el instrumento, así como el tercer pedal o pedal “sostenuto.”

Los compositores que se pueden considerar “impresionistas” son pocos. En realidad cuando se habla de este estilo, hay que nombrar principalmente al francés Claude Debussy (1862-1918) quien escribió una gran cantidad de música para piano y también para orquesta, grupos de cámara, etc.  Tiene 24 preludios de una gran belleza, varias suites, estudios y otras obras independientes que no pertenecen a una determinada colección.   Nunca escribió una sinfonía o sonata para el piano, formas musicales que fueron explotadas y llevadas hasta el extremo por los románticos y post-románticos.   Otro compositor francés que escribió algunas obras utilizando este estilo fue Maurice Ravel (1875-1937) a quién se le considera más neoclásico que impresionista.  Escribió una gran cantidad de obras para piano las cuales orquestó en su mayoría, ya que era un verdadero genio en este campo.   Pero también hizo lo contrario, transcribir para piano obras originales de él para orquesta. 

LA MÚSICA DEL SIGLO XX

Béla Bartók

La música del siglo XX encierra una gran variedad de escuelas y estilos que aparecen y desaparecen a veces con una gran rapidez.  Es por eso que se dificulta agrupar la música de este siglo o parte del él en un solo movimiento.  Este fenómeno se debe a que el mundo da un gran cambio, todo se desarrolla más rápido en esta era gracias a todos los descubrimientos científicos de Einstein, las nuevas teorías psicológicas de Freud, los avances tecnológicos, las dos guerras mundiales con la destrucción y la desintegración que éstas provocaron, que crean una visión más pesimista de la humanidad. De esta forma lo tradicional también comienza de algún modo a desintegrarse, lo que ya existía no es suficiente para describir la nueva realidad.  Por lo tanto también el artista busca un nuevo lenguaje para transmitir sus ideas y expresare tanto en las artes plásticas como en la música y la literatura.  Ya los grandes maestros del pasado habían explotado el sistema tonal al máximo, y era necesario  encontrar un sistema diferente. 

CARACTERÍSTICAS

1. Tonalidad:

Los compositores nacionalistas del comienzo del siglo encuentran que el sistema tonal tradicional no es suficiente para escribir las melodías y armonías de la música étnica que contienen mucho material modal.   Se da una desintegración de la tonalidad.   También se da la politonalidad (varias tonalidades al mismo tiempo en una misma obra), la atonalidad, como por ejemplo en la música dodecafónica o sea la ausencia total de un centro tonal.

2. Métrica y ritmo:

Como la música ya no tiene un sistema tonal y armónico estricto, tampoco la métrica ni el ritmo tienen que estar atados a una estructura más tradicional como antes, por lo tanto es mucho más variada, compleja e irregular que en el siglo XIX.   Se utilizan mucho los cambios de métrica, la polirritmia y a veces la ausencia de una métrica determinada. 

3. Textura:

Se utiliza todo tipo, desde bloques de sonidos que se repiten regularmente con acentos irregulares hasta una polifonía complicada en extremo. 

4. Forma:

Los compositores modernos al estar más libres de ataduras crean nuevas formas, pero también se utilizan las viejas estructuras, solo que de forma más libre.  

Se dan muchas tendencias y movimientos, algunos de ellos de breve trayectoria, y muchos compositores utilizan diferentes combinaciones de éstas para escribir sus composiciones. Destacan por su importancia el "Expresionismo” (Dodecafonismo) “Primitivismo”, “Neo-Clasicismo”, “Dadaísmo”, y más adelante en el siglo se da la música “Aleatoria”, la “Concreta” y la “Minimalista” que son más bien técnicas de composición.

El piano es utilizado muchas veces como un instrumento de percusión,  como es el caso del compositor húngaro Béla Bartók, quien saca provecho de otras características del instrumento que antes no se explotaban.   Durante el siglo XX muchas veces los compositores utilizan otros recursos como por ejemplo tocar las cuerdas directamente con los dedos como si fuera un arpa, o bien con utensilios como una cuchara, poner tornillos o ligas entre las cuerdas, lo que se llama “piano preparado” y de esa forma crear efectos sonoros muy diferentes y  más interesantes.

Los compositores más destacados de esta época son:

Bela Bartók (1881-1945) Igor Stravinsky (1882-1971) Sergei Prokofiev (1891-1952) Aaron Copland (1900-1990) Dmitri Shostakovich (1906-1975)  Arnold Schoenberg (1874-1951), Dimitri Kabalevsky (1904-1987)  entre otros. 

A modo de conclusión:

Hoy en día se sigue experimentando en busca de un lenguaje musical diferente, que no sea una mera imitación de los recursos utilizados en el pasado, utilizando los adelantos tecnológicos ampliando las posibilidades del compositor contemporáneo,  con nuevas posibilidades acústicas.   Hace tiempo que existen los teclados eléctricos y sintetizadores y ya se construyen pianos eléctricos tratando de imitar al piano acústico, cosa que todavía no se ha logrado.   En todo caso, todavía se prefiere tocar las obras de estos grandes maestros del pasado en los pianos acústicos en las diferentes salas de conciertos y le tocará a esta generación de compositores y músicos, crear obras para estos nuevos instrumentos explotando sus  diferentes posibilidades y sonoridades al igual que lo hicieron en el pasado Mozart, Beethoven, Liszt o Brahms, creando una música que refleje mejor este mundo convulso del siglo XXI.  

Con este modesto artículo esperamos que el lector (sea músico, estudiante o melómano) aclare sus ideas y refuerce su conocimiento acerca de este instrumento musical para poder apreciar mejor  los diferentes estilos y,  de esta manera, disfrutar más de un recital o de un concierto al que asista, o simplemente al escuchar un disco. 

BIBLIOGRAFÍA

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Schonberg Harold C., The great Pianist. New York: Simon and Schuster,1963.

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Miller Hugh M, Taylor Paul & Williams Edgar, Introduction to Music: Comprehensive Outline in easy-to-use Narrative format, illustrations. New York: Harper-Collins Publishers, 1991.